jueves, 20 de enero de 2011

Instrumentos musicales de la edad media


Ya se ha comentado en el blog sobre la música, la notación y demás particularidades de la música medieval, pero me resulto bastante interesante mencionar algo de historia y características de los instrumentos con los que se tocaba o acompañaba esta música, sus orígenes cuales quedaron en el olvido y cuales evolucionaron hasta considerarse los abuelos de algunos instrumentos actuales.

La música escrita de este periodo no suele tener la especificación sobre qué instrumentos deben tocar la pieza, que línea deberá cantarse y cual puede tocarse, incluso si debe llevar instrumentos o no, esto ha dado margen a gran cantidad de especulaciones y ha sido la causa de la diversidad en las interpretaciones de este repertorio, pero no queda duda de que las melodías podían ser acompañadas y no solo los cantos profanos, también los religiosos. Actualmente existen personas dedicadas a la construcción de instrumentos antiguos, algunos basados en las imágenes o grabados (de algunos instrumentos es el único dato que se tiene) lo cual nos acerca un poco mas a la sonoridad de la época.

La dotación de instrumentistas solía ser de 3 o 4 comúnmente para eventos particulares, y para eventos públicos había más músicos para aumentar la sonoridad. En el ambiente religioso el órgano era el instrumento por excelencia, sin embargo el repertorio polifónico fue propicio para la introducción de nuevos instrumentos como flautas o violas para sustituir las voces.

A continuación una lista de los instrumentos más comunes y algunos links de ejemplos para que no tengan que imaginar tanto. No todos están tocando música propiamente de la edad media, pero podemos darnos idea de la forma y sonoridad del instrumento.


Chicoten:

Es un instrumento de cuerda percutida que servía para acompañar a las flautas de 3 orificios (una sola persona tocando los 2 instrumentos a la vez). Consta de una caja de madera alargada y cuerdas que van de un extremo a otro, no tiene gran potencia sonora.




Pifano:

De la familia de la flauta travesera tiene 6 agujeros para los dedos. Consta de un tubo de madera sellado completamente por un lado. Tiene un registro bastante agudo.



Organo :

El origen del órgano se remonta a la antigua Grecia, pero fue la iglesia romana quien lo adopto para el acompañamiento de su música y esto fue clave para el perfeccionamiento del instrumento. Es considerado un instrumento aerófono de teclado y consta de una serie de tubos que utilizan un bisel para romper una corriente de aire y producir el sonido. Antiguamente se hacía a mano por medio de fuelles quienes los manejaban una o dos personas conocidas como folladores. Según lo que produjera el sonido se conocían como hidráulicos o neumáticos, siendo los hidráulicos los más antiguos y utilizaban agua para mantener la presión del aire. En el siglo VIII ya todos los órganos hidráulicos habían sido sustituidos. En el siglo XV se comenzaron a construir órganos de dimensiones enormes y se le añadieron los pedales.

Organistrum o zanfoña :
Es un instrumento de cuerda frotada. La palabra organistrum resulta de la contracción de organum que era una de las primer formas musicales contrapuntísticas e instrumentum (instrumento). Consta de una caja en cuyo interior se encuentran las cuerdas que son frotadas por una rueda que gira con la acción de una manivela. Los primeros datos de organistrum los conocemos gracias a representaciones pictóricas o arquitectónicas, y nos dicen que median alrededor de dos metros y necesitaban de un par de personas para manejarlo, una movía la manivela y la otra manejaba las teclas para hacer los diversos giros melódicos. Esto producía un sonido grande y fuerte. Posteriormente se redujo su estructura hasta hacerlos manejable por una sola persona. Los ejemplares más comunes tenían tres cuerdas: una con la voz principal y dos acompañando con notas paralelas a intervalo de octavas o quintas. Las cuerdas solían hacerse de tripa de animal retorcida.




Una muy buena explicacion sobre funcionamiento y construccion.


El monocordio:

Como su nombre lo dice constaba solamente de una sola cuerda que dependiendo de su longitud daba las diferentes notas. Es un instrumento de cuerda punteada o frotada que lo constituye una caja rectangular. Paulus Paulirinus es su Tractatus de musica, describe el monocordio:

Es un instrumento largo en forma de flauta larga interiormente cóncava con aberturas,
Monocordio basico
dividida en nueve partes grabadas con nueve letras del alfabeto, de arriba abajo sobre las divisiones tiene una única cuerda de nervio, cuando se la percute con una pluma o madera y la parte anterior con la mano izquierda según las reglas del arte, permite ejecutar todas las melodías inventadas.

En sus intervenciones históricas el monocordio fue utilizado por pitagoras y en la enseñanzas musicales de Guido D’ Arezzo.



Instrumentos de percusión

La percusión no desempeñaba un papel importante durante la edad media, en un ambiente donde la mayoría de la música era vocal o trataba de imitarla, el ritmo de las percusiones no podía ser más que un simple acompañamiento. Sobre los instrumentos utilizados hay campanas, cascabeles, panderos y una infinidad de tambores. Los menciono todos en plural ya que para lo mayoría no había una forma definida de construcción, esta variaba según la región geográfica.



El salterio:

Es una caja de resonancia (con forma trapezoidal, rectangular o triangular) atravesada por cuerdas que van de un extremo a otros con diferentes longitudes. Su origen es desconocido pero este instrumento se ha adaptado a las diferentes culturas con diferentes formas y maneras de construcción.




Rabel:

Instrumento de cuerda frotada que consta de un numero variable de cuerdas (de 1 a 5) con la estructura parecida a un violín. El origen de este instrumento es desconocido, pero sabemos que fue empleado durante la edad media gracias a representaciones pictóricas. Con respecto a la afinación, esta era bastante variable según, la altura de la voz del cantante, o también podían afinarse las cuerdas por cuartas y quintas para remarcar el ritmo en alguna danza. Este instrumento llego a América y fue adoptado en algunas culturas sudamericanas.





El laúd

Es considerado como el antecesor de la guitarra actual. Consta de un mástil dividido por 7 o 9 trastes (generalmente tripas amarradas al mástil) y una caja de resonancia. Antiguamente esta caja tenía una tapa de cuero y posteriormente se construyó de madera llamándolo al’oud (en madera). Actualmente es muy conocido y es considerado como precursor de muchos instrumentos de cuerda punzada con mástil.



Dulzaina:

Es un instrumento de viento de la familia del oboe. Consta de un tubo de madera ligeramente
 cónico con
Dulzania
 un pabellón al final y dividido por 7 orificios generalmente. En la parte superior se coloca una lengüeta doble, lo que hace un sonido similar al graznido de un ganso. Dependiendo de las distintas regiones de Europa tiene diferentes funciones, nombres y maneras de construirse. Su evolución llevo a agregarle las características llaves de los instrumentos de alientos.


   

Dulzimier:

Su nombre significa melodía dulce y es un instrumento de cuerda percutida de la familia del salterio por su estructura. Este instrumento fue bastante usado en la música folclórica de toda Europa; está conformado por una caja de resonancia plana y cuerdas de alambre que van de un extremo a otro y son golpeadas por pequeños martillos. Aunque no posee teclas es considerado un antecesor del piano. Apareció en España alrededor del siglo XII





Me resulta bastante interesante que al buscar referencias en video me encuentro con que muchas culturas americanas adoptaron algunos de estos instrumentos para su propia música tradicional, así que de pronto no nos extrañe encontrarnos un par de chilenos tocando música tipica de su país con un Rabel, que el Tres cubano sea tan similar al laúd o una arraigada tradición de salterio mexicana. Los instrumentos utilizados en el medievo pueden o no tener su origen en la edad media, algunos fueron adoptados de culturas más antiguas o de oriente y su construcción, uso y función ha ido cambiando a través del tiempo adoptándolo a las diferentes necesidades sonoras o posibilidades de construcción, dándonos como resultado una evolución instrumental que ha enriquecido nuestra música.


Manuel de Jesus Alvarez Ruiz

miércoles, 19 de enero de 2011

Los Instrumentos de la Época Caballeresca

Echando una ojeada a los instrumentos de la época caballeresca.Los de cuerdas frotadas o  pinzadas se consideraban los más distinguidos en las islas Brit´ánicas,Franconia, Esaña, Germania e Italia. El mas solicitado era el arpa,instrumento preferido por los reyes y por los cantantes.
Lo mas corriente era la lira triangular  asimétrica,con cuerdas desiguales y la mandolina.Con ellas estaba la rotte.
El violín asi como sus variantes:vielle, viola, vihela, procede de un instrumento turco-árabe y se tocaba de diferentes maneras: sobre el pecho, apoyado en el hombro izquierdo, descansando en el regazo o verticalmente sobre los muslos (al estilo árabe). Se construia en los modelos mas variaados: de caja octagonal, ovalada, etc., y venia a tener de 40 a 50 cm. De largo. Posteriormente se construyeron  en diferentes tamaños.
Tambien el laud es de procedencia árabe (al’ud). Primeramente tenia cuatro cuerdas que despues fueron seis y despues ocho
Salterio, instrumento asiatico, es una caja trapezoidal generalmente con diez cuerdas.
De la familia de las trompas, el Cuerno de Buey o de bisonte.
Cornetas de madera. Hoy en desuso, tenian tambien orificios, como la trompa.
La trampeta procede de la antigua tuba, su tubo es cilindrico, no cónico como en los modernos bugles, y de ella se deriva el actual trombon de varas .
Las flautas pertenecen a la clase de los mas antiguos instrumentos. En el siglo X habia dos tipos a la vez :la de madera y la travesera.
Platillos en sus variadas formas, triangulo, planchas de percusion y las campanas.
El pandero fue una herencia de los juglares. En la época cortesana se introdujo nuevamente, desaparecio en el siglo XVI.




Nos encontramos con instrumentos con  influencia  turca, arabe, asiatica, etc., y es interesante como siemore  los instrumentos han tenido una funcion de ser, ya sea religiosa,profana, amenizacion, o simple gusto, es interesante que tambien cumplian una funcion informativa como lo era el caso de la rotte (del latín rotta).
 La rotte de forma cuadrada ha sido el instrumento de los bardos, estos eran las personas encargadas de transmitir las historias, las leyendas y poemas de forma oral además de cantar la historia de sus pueblos en largos poemas recitativos. En los paises  escandinavos llegó a ser un instrumento aldeano.



Bibliografía:
Kurt Honolka, (1980), Historia de la Música, Madrid España, ed. Edaf





Creado por:
Guillermo Ernesto Pérez Corona.

martes, 18 de enero de 2011


FE, RELIGION, ORDEN, COTIDIANIDAD Y… FIESTAS

LA MUSICA DEL OFICIO. LAS OCHO HORAS CANONICAS.

En los primeros siglos del cristianismo quienes profesaban la nueva religión se veían en la necesidad de celebrar asambleas nocturnas llamadas vigilias, y que por la hora en que se celebraban otorgaban a los fieles comodidad y seguridad al no ser reprimidos o cuestionados. Dichas vigilias se celebraban durante la noche del sábado hasta las primeras horas del domingo y concluían con lo que fue la primera especia de Misa.
La celebración de la vigilia consistía en orar, leer las sagradas escrituras, y cantar el texto de los salmos. Musicalmente hablando dicha celebración tuvo himnos, antífonas, cánticos, y salmodia responsorial en algunos casos.
Esta celebración con el paso del tiempo produjo los primeros tres oficios separados, que fueron las Vísperas, Maitines (Nocturnos) y Laudes.
El surgimiento del Monocato, es decir, la vida de monjes, fue el factor mas importante para el desarrollo y el establecimiento de los oficios que se convirtieron en parte normal y cotidiana de la vida en los monasterios. Fueron establecidos, por así decirlo, por San Benito quien describió el ciclo completo de las ocho horas canónicas en la conocida regla de San Benito.
El orden de estos ocho oficios en cuanto a la hora de celebración es el siguiente:

1. Maitines                                                   después de la media noche
2. Laudes                                                      al amanecer
3. Prima (primera hora)                          a las 6 de la mañana
4. Tercia (tercera hora)                           a las 9 de la mañana
5. Sexta (sexta hora)                                 al mediodía
6. Nona (novena hora)                             a las 3 de la tarde
7. Vísperas                                                   a la ultima hora de la tarde
8. Completas                                               después del anochecer, antes de retirarse

Como se puede ver estos oficios están distribuidos a lo largo del día y que se tienen que celebrar a diario, lo que implica un gran porcentaje de prioridad hacia el culto, hacia la religión, pues se deja de hacer cualquier actividad en el momento  en que llega la celebración del oficio, pero también es importante aclarar que dichos oficios son sólo para la vida monástica, pues para los fieles en  el exterior esta el oficio de la misa, que es una celebración para el publico en general.
Sin embargo mas allá del tiempo que implica o que de alguna manera quita el celebrar estos oficios, hay musicalmente en ellos cosas interesantes, pues todos tienen estructura bien o casi definidas, y que comparten algunas características, como formando una unidad, una unidad diaria que era una constante en la Edad Media y en el Renacimiento en todos los monasterios y en las iglesias catedralicias y colegiatas.
Entrando de lleno en la estructura y en los elementos musicales de los oficios podemos dividirlos en 2 grupos o 3.

Horas Diurnas: Vísperas, Laudes, Completas
Horas Menores: Prima, Tercia, Sexta, Nona
Y aparte están los Maitines.
Las elementos que son comunes en todos los oficios son:
Antífonas: canto en donde se alternan coros.
Capítula: lectura corta de un solo verso bíblicos.
Responsorio prolijo: Prototipo de salmodia responsorial, su fin era incrementar la solemnidad, era un canto responsorial musicalmente muy interesante. Además de diversos cantos, himnos, oraciones, salmos y lecturas.

CRACTERISTICAS PARTICULARES DE CADA OFICIO:

VISPERAS:
Podríamos decir que es el primero de los ocho oficios que se celebra, pues las fiestas así como la celebración de los domingos comienzan con las primeras vísperas del día anterior.
La vísperas se comienzan cantando el versículo y la respuesta Deus in adjutorium, que es el primer verso del salmo 69 (Oh Dios ven a librarme Señor, corre en mi ayuda) continua con la doxología menor y concluye con un aleluya o con la frase Laus tibi domine rex aeternae gloriae (Gloria a ti señor, rey de la gloria celestial). Luego siguen 5 salmos con una antífona cada uno, es decir, 5 antífonas. Luego sigue la capítula que en algún tiempo era seguida de un responsorio prolijo, después sigue un himno y una versículo seguidos de un Magnificat con Antífona que es considerado el momento musical mas importante de las Vísperas por su antífona larga y elaborada, y al final contiene oraciones y antífonas de conmemoración y versículos finales incluyendo en Benedicamus Domino  incluso una antífona de la Beatae Mariae Virginis, que son cantos bastante largos y elaborados.
Sin embargo estas partes eran a veces un poco alteradas por el ordinario y el propio del tiempo, así que tenemos:

Deus in adjutorium      
Cinco salmos con cinco ANTIFONAS
Capítula
(responsorio prolijo)
HIMNO
Versículo
Magnificat con Antífona
Oraciones y antífonas de conmemoración
Versículos finales (benedicamus domino)
(antífona de la Beatae Mariae Virginis)


COMPLETAS:
En estructura casi similar a las víspera pero con la diferencia de que solo tiene 3 salmos con solo una antífona, además de que el himno esta primero que la capitula y después de esta está un responsorio breve que es un canto responsorial, el cántico es Nunc Dimittis cuya antífona nunca cambia, al final se canta el Benedicamus Domino y también, puede que una antífona de la B. M. V. Por la escasez de cantos que se repiten, que no hay textos ni música especial para las fiestas, las completas son musicalmente menos atractivas.
LAUDES:
En estructura formal y musical similar a las vísperas pero en vez del Magnificat se canta el Benedictus, y el cuarto de los cinco salmos es un cántico menor, es decir, del antiguo testamento.

HORAS MENORES (PRIMA, TERCIA, SEXTA, NONA):
Son los oficios mas cortos y menos importantes desde el punto de vista musical, tienen la misma estructura, solo difiere un poco la prima, estas horas comienzan con el Deus in adjutorium, sigue un himno luego tres salmos con una antífona, después la capítula, responsorio breve, versículo y el Benedicamus Domino al final. La mayoría de la música de las horas menores no es propia y se mantiene invariable a lo largo del año, incluso sus 4 antífonas las toman prestadas de los Laudes.

En resumen:

VISPERAS
LAUDES
COMPLETAS
HORAS MENORES
Deus in adjutorioum
Deus in adjutorioum
Deus in adjutorioum
Deus in adjutorioum



himno
5 salmos
5 salmos (1 es un cántico menor)
3 salmos
3 salmos
5 antífonas
5 antífonas
1 antífona
1 antífona


himno

Capítula
Capítula
Capítula
Capítula
himno
himno
Responsorio breve
Responsorio breve
versículo
versículo
versículo
versículo
Magnificat con antífona
Benedictus con antífona
Nunc dimittis con antífona

Benedicamus domino
Benedicamus domino
Benedicamus domino
Benedicamus domino
Antífona de la B. M. V.
Antífona de la B. M. V.
Antífona de la B. M. V.
Antífona de la B. M. V.

MAITINES:
Es el oficio mas elaborado y complejo de los 8.  Su contenido estructural es diferente a los demás, pues parece una forma independiente.
Su gran esquema es:
Pater Noster, Ave María, Credo
Versículo
Deus in adjutorium
Invitatorio (salmo 94 (95))
Himno
Primer Nocturno

3 salmos con sus antífonas
3 lecciones seguidas de un responsorio prolijo

Segundo Nocturno
3 salmos y 3 antífonas
3 lecciones y 3 responsorios prolijos

Tercer Nocturno

3 salmos y 3 antífonas
3 lecciones y 3 responsorios prolijos
Te deum laudamus (los domingos y días festivos)
Versículo
Oración
Benedicamus Domino


La verdad el solo comprender la forma, la funcionalidad, interrelación, la semejanza, la correspondencia es muy difícil, pues aunque ahora sabemos la forma y los componentes musicales jamás sabremos a ciencia cierta como se llevaron o se llevan a cabo, pues seguramente el tiempo los corrompió ha hacerse mas fácil, menos complejos tal vez. Es bastante interesante preguntarse cuanto tiempo paso para que se establecieran de esa manera los oficios, si se premeditaron las formas, si se planearon los contenidos, seguramente todo fue resultado de la practica.
¿Sabían aquellos hombres que es lo que hacían, como ser conscientes ante la cotidianidad? Seguramente la fe mantuvo los oficios o la vida diaria sobre una rutina. Aun así, es increíble como algo tan complejo se hacia cada día y, tomando en cuenta los tiempos de Dios, algunas veces con mayor pompa, con mayor alegría.


Sergio Antonio Ortiz Torres

La Polifonía.

 Es importante señalar  que el desarrollo de la música europea se basa en el perfeccionamiento  de un sistema racional de sonidos, y en la polifonía, pero no siempre la  encontramos con una ordenada aplicación  de intervalos consonantes y disonantes.
Esto quiere decir, que en todas partes del mundo  se encuentran muestras del cantar polifónico, sin sistematizar, y lograr un orden, solo así  se llega a conseguir algo tan bueno  como un arte polifónico.
No es fácil determinar en qué momento  a partir del cual existe tal arte.

Es en un tratado  musical muy extendido, el Música Enchriadis, en un principio atribuido al monje Hucbald de St. Amand, en Flandes y mas modernamente al abate Hoger von Werden, y en un comentario  a ese escrito, el Scholia Enchiriadis, donde se hayan datos del organum.


 El órganum es una forma de polifonía occidental primitiva, que alcanzó su apogeo en la Escuela de Notre Dame de París, centro del Ars Antiqua (sobre todo entre los siglos XI y XII). Está basada en la repetición paralela de la misma melodía, nota por nota, pero generalmente a una distancia de cinco notas (una quinta justa) más agudas. Este tipo de contrapunto primitivo también es llamado diafonía o paralelismo. Destinado a mejorar la interpretación de un pasaje añadiendo una segunda voz paralela. Se le considera generalmente como el estado más primitivo de la polifonía.

La melodía litúrgica destacaba en la vox principalis. La voz  organalis entona una quinta (diapente) bajo aquélla, en un exacto movimiento paralelo, llamado parallelogranum de quinta (o cuarta).

Estas sucesiones de quintas estaban prohibidas en la época floreciente de la polifonía vocal y lo siguen estando en la armonía escolástica hasta nuestros días. Con esto tenemos una prueba más de cómo cambia de parecer una forma de pensar a llegar al punto de contradecirse en otro tiempo, como por ejemplo los intervalos considerados consonantes o disonantes, que se puede hacer y que no, que suena bien y que no, pero esto precisamente estamos ante un desarrollo musical, de innovación y creación, por el bien de la música.

No obstante se ha llegado a la conclusión de que en la música de antaño como de hogaño, se hace uso del movimiento paralelo en todos los posibles intervalos.

Es de reconocer que el organum (pronunciado: "órganum") de Hucbald no supone una especulación, sino una sistematización de una técnica popular, como ya lo mencionamos en un principio.
 
Es  bueno recordar, el no dejar de preguntarse, el porqué, y el cómo mejorar, ya qué eso a lo largo de la historia nos ha hecho crecer como personas y como comunidad, no perder una característica tan importante como siempre la ha tenido el ser humano, el Ser Curioso.



Bibliografía:
Kurt Honolka, (1980), Historia de la Música, Madrid España, ed. Edaf




Creado por:
Guillermo Ernesto Pérez Corona.

Trovadores ...!!!




Esta nueva denominación –nacida en Francia y después apareciendo en España e Italia-  vino a ser como un crecimiento del oficio de juglar que antes era un mejor ejercicio de diversión, un trabajo mal visto y hasta criticado que se llego a convertir en un arte sublime. Pero es necesario señalar que comúnmente el juglar se acompañaba con este nuevo artita: El trovado – que al parecer el nombre viene de la palabra trovar, encontrar o crear- son los nobles quien inician este movimiento refinado, que ira paulatinamente desterrando de  los castillos y palacios a los juglares, confinándolos a estos a las calles, ya que los trovadores por su origen noble y su posición elevada – muchas veces perdida por la guerra o el amor fallido- son fácilmente aceptados y en veces recompensado espléndidamente en forma de vestidos, dinero, caballos o fincas. El arte de los trovadores no se enseñaba en ninguna escuela, se aprendía con lecciones individuales orales y por la imitación de maestro famosos, si el trovador no sabia tañer un instrumento se hacia acompañar de un juglar.

Casi todas las ciudades o cortes recibían con agrado a un trovador, pero siempre fueron los principales protectores los principales y los condes de Provenza y Tolosa,  por eso es esta lengua es en la que mas se encuentran ejemplos de composiciones trovadorescas.  Precisamente cuando el movimiento de los trovadores parece que esta llegando a su esplendor se suscita una guerra conocida como la guerra de los albigenses y con esta se frena el modelo de vida de los trovadores. Con los castillos asolados por los continuos ataques, la rapiña, el pillaje y el egoísmo extremo por parte de los señores feudales se ahoga la espiritualidad y todo culto a las artes. Todo lo que se había creado se empieza a desmoronar poco a poco y los poderosos abandonan la buena compañía y la generosidad dejando a la suerte los versos y las canciones dando como sepultado que para 1300 el arte trovadoresco desaparezca casi por completo.


Marco Andres Fernandez Muñoz
:-) 

"Juglares un estilo de vida"


Con el avance de los siglos y ya con una cultura musical más amplia vemos como van apareciendo  unos personajes denominados en un principio como mimi o histriones, los cuales eran artistas del circo romano de vida itinerante que ya son citados desde el siglo VI. Estos personajes eran malabaristas, poetas sarcásticos, domadores de simios y cabras que de todo hacían  burla y además cantaban para divertir a la gente. Un siglo después se les comenzó a llamar “Jocularis” de iocularis (divertido, persona que genera diversión) y se comenzó a ver como una profesión. (Tal vez si yo hubiera existido en aquel siglo hubiera sido uno de ellos jajaja, a excepción del canto)

Hacia el siglo  X estos curiosos personajes aprenden la ejecución de algún instrumento con relativa habilidad y a cantas canciones de gesta, ya son citados de esta forma en las partidas de Alfonso X “El Sabio”  y los podemos ver ilustrados en las celebres Cantigas, donde ya se les ve tocando todo tipo de instrumentos: salterios, flautas, albergues de lengüeta, arpas, laúdes, trompas etc. La labor de estos juglares no ha sido valorada en toda su expresión  pues fueron ellos los encargados de difundir el latín vulgar, hecho vital para el desarrollo de la literatura europea, además de que tenían la función de difundir los sucesos acontecidos en un lugar lejano convirtiéndose en un tipo de periódicos ambulantes. Entonces se separan de aquellos recuerdos de simples bufones -en aquel tiempo a lo que ahora llamamos payasos- hasta llegar a ser personas con un importante nivel cultural, que tenían que saber cantar romanzas de varios autores, cultivando con rigor la música y las letras.

Sin embargo los requisitos para ser un buen juglar no eran pocos, como lo demuestra un escritos de las antiguas reglas de juglares que dice:

“Sepas bien inventar y rimar y en apuestas y concursos dar buenos acertijos con gallardía tocar el tambor, los platillos y la rustica lira. Has de saber echar manzanitas al aire y cazarlas al vuelo con cuchillos; imitar al canto de las aves, hacer juegos de manos con los naipes y saltar a través de cuatro aros. Has de saber tocar la citola y la mandolina, el monocordio y la guitarra; has de saber encordar la rotta de 17 cuerdas, tratar bien el arpa y acompañar con el violín para hacer mas agradable el canto. Juglar debes componer y arreglar nueve instrumentos (zampoña, flauta, arpa, lira, violín, decacordio, salterio y rotta). Si se aprende a tocarlos bien estarás en condiciones de satisfacer a todas las exigencias toca también el organillo y haz sonar los cascabeles”.

Así entendemos que los juglares son aun mismo tiempo acróbatas y ilusionistas, poetas y músicos, los cuales se encargaban e conservar leyendas, refranes y cantares de gesta que el pueblo no se cansaba de escuchar. Ellos eran personajes vitales en las fiestas tanto en las de castillo como en las de cuidades o aldeas, en ferias o romerías nunca faltaban, transmitiendo a un mismo tiempo alegrías y culturas.

Sin embargo la existencia de los juglares estaba puesta siempre en la lupaza que por su origen nómada eran consideradas personas no gratas, además aclaro que los juglares no eran solamente del sexo masculino sino también existían del sexo femenino, que con suma facilidad cautivaban a las masas, por lo que la forma de aceptación de las autoridades era contraria a la forma en la que los recibía con alegría el pueblo, mientras los otros lo hacían con recelo.
Este mal recibimiento de las autoridades llego a tal punto que se les llego a negar el derecho común que existía en aquella de que si eras asesinado el homicida tenia que pagar una pensión a tu familia en otro caso y lugar diferente se les negó el derecho de conservar o disponer de sus vienes en un testamento después de la muerte y sus bienes eran incautados por el municipio.  Se les llego a prohibir la estancia en las ciudades y también la iglesia en pocas ocasiones les permitía entrar en comunión.

Con el paso de los años y teniendo en cuenta ciertas medidas que toma la autoridad los juglares deciden asentarse en pequeñas ciudades ya que esto les concedía ciertos derechos y privilegios de la ley, como formar pequeños gremios, o bien se les protegía al no permitir que músicos ambulantes de otras regiones o ciudades se asentaran en su región o presentaran alguna función. Para velar por los intereses y derechos del gremio se escogía un rey o conde-músico, a este se le otorgaban ciertos poderes de parte de la autoridad. También era muy común que un príncipe o noble tomara la protección de los gremios de cada región.

Con el paso del tiempo la estructura social de los juglares se hablaba altamente organizada, así en los meses de la cuaresma en que no podían actuar por la prohibición eclesial, se reunión en alguna ciudad importante-Bourg en Brer, Lyon, ginebra, Cambray, Brujas- a realizar un tipo de encuentro en los cuales los maestros mas vividos enseñaban a los principiantes, el arte juglar, ahí los señores feudales enviaban a sus juglares a que estudiasen. El músico que había escrito nuevas canciones tenia oportunidad de presentarlas e incluso de ganar algún dinero por ellas.  Después se llego a crear una especie de concursos llamados “Puys de Musique” celebrados desde el siglo XVIII comenzando en Puy-en-Veley  y del cual proviene el nombre y continuando en Auvergne, Picardie, Artois, Champagne y Normandía.

El perfeccionamiento o especialización de los juglares y la mayor difusión de su arte provoco otro fenómeno socio-cultural y fue que todos los niveles sociales cultivaran la música, ya no solamente como escuchas. Los nobles ya no concebían la música y a los músicos como mera diversión si no como cultivadores y esto los llevo a la obligación de desarrollar y poseer un talento musical.

El gusto musical y  el deseo por aprender se va estilizando y llega a traducirse como un goce mas delicado de la vida basándose en el culto hacia la mujer, cuya raíz no era otra sino el creciente culto a María, que crecía cada vez mas debido a las cruzadas y su búsqueda con todo lo relacionado con la existencia terrenal de Jesucristo. Este nuevo espíritu caballeresco engendrara hacia 1100 un genero poético especial que se designara con el nombre de poesía Trovadoresca. De la cual hablaremos en nuestro ¡siguiente capitulo!

¡Feliz año nuevo!
Dedicado con cariño a mi amiga Mitzi Quetzally Robles
¡FELIZ CUMPLEAÑOS! 
Marco Andres Fernandez Muñoz 

lunes, 17 de enero de 2011

ERA MODAL

ERA MODAL

el cristianismo acogió la música como algo importante para esta, ya que la música es capaz de elevar el alma, creían que era un medio para acercarse mas a dios, la iglesia busco purificar la música y la manera en que lo hicieron fue apartándola de los instrumentos y de las danzas paganas, sus composiciones en principio eran monódicas alcanzando un esplendor en el S VIII y mostrando su máximo apogeo unos siglos mas tarde, ya que en los siglos IX al XIV se logro el desarrollo de  un nuevo lenguaje musical este se denomino como la "polifonía" pero sin embargo en este periodo lograron subsistir dos tipos de música monódica estas fueron; el canto gregoriano y la música profana(trovadores, troveros y Minnesinger).En principio los obispos cuidaron de mantener el carácter religioso de los cantos, de esto nació la antifonia (frase musical que precede y termina el salmo, la alternancia  de dos  coros que responden) esta era sin duda una respuesta al peligro que sentía la iglesia de que la música se convirtiese en un gozo carnal.de propagarla se encargo san Ambrosio.
El papa Gregorio magno no compuso ni utilizo ninguna de las  melodías  a las que hoy se denomina como canto canto gregoriano, su papel en realidad fue la preparación y difusión del repertorio conocido como "romano antiguo”. El canto gregoriano es denominado como diatónico ya que no se permitía ninguna alteración excepto el si bemol, en esta música se usaban los cuatro modos auténticos (dorico,frigio,lidio y mixolidio)y los plagales, su notación era neumatica,escencialmente monódicas las melodías gregorianas se dividían en dos generos;recitativo y canto melodico,estas monodias se dividían en varios grupos: antífonas, los responsorios y los cantos del ordinario.
TROVADORES Y TROVEROS
¨El arte es un espejo de la vida social del  momento¨, Tanto del arte popular como del canto gregoriano los trovadores y troveros toman temas y canciones que narraban, eran poetas interpretes de versos y sonidos que se encontraban a su paso. Improvisaban una forma de tropo, suspiraban por sus damas, rendían homenaje al soberano, cantaban a su tierra natal, uno hablaba en latín otro en lengua vulgar, como los grandes señores, los burgueses contribuyeron a la difusión de esta música.
A finales del siglo trece cobra mucha importancia la escuela de poetas de Artois uno de los mas reconocidos y recordados de esta escuela fue Adam de la Halle. En el siglo XIII los  minnesinger sobresalen en las canciones de amor, a diferencia del canto llano que debía adaptarse a la prosa la música profana fue  construida para el verso de donde se muestra la necesidad de traducir en música la poesia, estos poetas ayudaron también al nacimiento de  la tonalidad moderna del modo mayor ya que no temían introducir alteraciones en el texto musical.
La Polifonía.
Del pensamiento monódico-monoteísta, se da un salto a la polifonía y el humanismo; toda una nueva forma de concebir al mundo. Alrededor del año 1000 comienza a desarrollarse la polifonía, y el desarrollo de esta, tiene como consecuencia que el ritmo y la grafía musical adquieran una importancia cada vez mayor. Guido de Arezzo atiende a estos elementos técnicos en su dimensión didáctica, con ello empieza a agrandarse aun más la fisura entre lo teórico y lo práctico. Guido acentúa la diferencia de lo teórico y lo práctico. Entre el que sabe música y el que la ejecuta: Es muy grande la distancia que hay entre músicos y cantores; estos cantan, aquellos conocen cuanto constituye la música, La música se organiza de manera autónoma y se hace más compleja. La polifonía es un reflejo de ello. El contrapunto será de fundamental importancia por ser una fuente profunda de reflexión sobre los conceptos musicales, religiosos y filosóficos tradicionalmente aceptados hasta entonces.
la polifonía se divide entres periodos; la primera es la escuela de notredame a esta  esta ligada perotin el grande, la segunda que esta ligada a Guillaume de machaut(S XIV),en el tercer periodo esta la escuela francoflamenca,tres personajes importantes de esta son:Dufay,Obrecht y Ockeghem, a estos les sucede Josquin des pres, a la primer polifonía que se da, se le denomina como ORGANUM(improvisación a dos voces de las cuales la mas alta canta un pasaje de canto llano y la voz inferior le sigue de forma paralela a una cuarta inferior), a este tipo de polifonía le sucede un tipo de polifonía mas refinada, el DISCANTO.
La primera época de este nuevo arte se da aprox. de 1150 a 1330, para estos siglos habían caído ya todas las trabas que cien anos antes impedían a los artistas expresarse según su propio temperamento, los grades maestros de esta primera época fueron: Leonin organista de notredame y su discípulo Perotin a quien se le considera el padre de la música polifónica y Adam de la Halle que demostró un dominio polifónico en los rondos a tres voces.
EL MOTETE nació del organum y aunque su  creador no fue perotin este logro desarrollar un grado de perfección magistral.
EL CANON, que fue empleado sobre todo en Inglaterra apareció primero en la forma rondo, este consiste en construir una pieza polifónica vocal o instrumental con un motivo melódico que pasa y circula por todas partes, el primer canon conocido se remonta hacia el siglo XIII y consta de seis voces, para este siglo se produjo una revolución en la historia de la notación ya que a cada nota se le atribuyo un valor propio estas eran: largas, breves y semibreves.
la segunda época de la polifonía se da en el S XIV,los teóricos denominaron al arte de Perotin como Ars antiqua para diferenciarla del Ars nova, este  periodo es de transición ya que la música que nace en ella es gracias a la que le precedio,esta escuela anuncia la época del contrapunto que la desarrolla la escuela francoflamenca.esta época se inicia con la misa a tres voces llamada de tournai,este es el primer ejemplo polifónico destinado a comentar el "santo sacrificio”, el hombre que representa esta época es Guillaume de Machaut,este compositor hizo en su mayoría música profana entre ellos estaban el Lay,el Virelay,el Rondo, la Balada y el motete que bajo la pluma de este se convierte en una obra de refinamiento polifónico.
La tercera etapa de la polifonía se da en el  Siglo XV con la escuela francoflamenca.Dunstable es quien en la primera mitad de este siglo tiene mayor importancia como compositor, otro es Guillaume dufay, la obra de este consta de 9 misas, 32 motetes religiosos y profanos, 44piezas litúrgicas e himnos y 75 canciones francesas.
JOSQUIN DES PRES
La obra de este compositor surge entre dos épocas el ars nova y el inicio de lo que se considera la edad de oro de la polifonía, se le consideraba asi a causa del atrevimiento de su escritura y la intensidad de su expresión compositiva. a un arte nuevo deberían corresponder nuevas formas musicales, no bastarían ya solo el rondo, el motete y la balada, mas bien surgieron composiciones tales como la frottola que aparece en Italia a finales del  S XV esta provino de las canciones para danza  y estaba escrita a cuatro voces. El madrigal del S XVI que nada tenia el común con el del  S XIV y este se derivo de la frottola,eran piezas libres de cuatro  o cinco voces, pieza de giro gozoso y espiritual, contenía poemas que no estaban sometidos a la versificación y los villancicos otro tipo de composición musical  de esta epoca.ya para los siglos XIV al XIX el canto experimento ciertos daños a causa de la invención del pentagrama ya que esto acarreo la alteración o desaparición de ciertos adornos, la tradición oral se deformo; no se supieron interpretar ya los manuscritos mas antiguos al ritmo libre del canto llano se quiso poner un ritmo exacto, aunque el concilio de Trento intento  una reforma .
                                                                                                         ISAAC NAHÚM LÓPEZ MEZA